ROGUE ONE: la mejor precuela de STAR WARS

Sí, todos odiamos las precuelas de LUCAS. Tan sólo algunos detalles aislados, algunas escenas, se salvaban de la falta de cálculo que supusieron los episodios I, II y III, todos muy lejos de las maravillosas películas originales. Pero ya hemos visto ROGUE ONE y, aunque no se venda ni anuncie de tal manera, es, sin duda, la MEJOR PRECUELA del universo STAR WARS, por cuanto tiene lugar justo antes de los acontecimientos del episodio IV (ya saben, la película que originó todo en 1977). Pero hay más motivos para disfrutar de ROGUE ONE en pantalla grande. AQUÍ les indicamos algunos (sin spoilers):

-Tiene un repartazo. No sólo está protagonizada por la estrella de moda, FELICITY JONES, sino que cuenta con un lujoso plantel de secundarios, entre los que destacan MADS MIKKELSEN y BEN MENDELSOHN.

-Regresa el icónico DARTH VADER, y lo hace no como mero elemento decorativo, sino en plena forma. La última secuencia que tiene en pantalla es, sencillamente, antológica.

-La dinámica de la película difiere por completo de las otras entregas: aquí tenemos una película BÉLICA que, incidentalmente, sucede en el universo STAR WARS.

-Lejos de las farragosas y aburridas tramas de las precuelas, aquí la historia es clara y directa: hay que robar unos planos.

-De nuevo, disfrutamos de la ESTRELLA DE LA MUERTE.

-El CGI. Aunque todo en la película tiene una textura real, sucia, propia de la historia que quiere contar, la magia digital recupera dos personajes fundamentales. ¿Inquietante? Desde luego, pero útil para la trama.

-La banda sonora de MICHAEL GIACCHINO, original, hipnótica y utilizando (mínimamente) los clásicos temas de JOHN WILLIAMS.

Disfruten estos días de la película, antes de que se filtren los temidos spoilers.

ARRIVAL Y LOS SALTOS DE FE

Es indudable el atractivo de una película como ARRIVAL, rodada magníficamente, con un arranque sólido y unos actores competentes, especialmente su protagonista, Amy Adams. Sin embargo, la sensación tras su visionado es ambivalente: lo que al principio funciona como un mecanismo de relojería, con brillantes secuencias y un guión preciso que hechizan al espectador, se transforma en el tramo final en una serie de secuencias que parecen forzadas en el propio universo de la película: generan ciertas dudas sobre la lógica resolución de todo, demasiado fácil y conveniente para ajustar los cabos sueltos. Esa es la sensación. Que nos exigen demasiados SALTOS DE FE en el último tercio. Como espectadores eso nos hace pensar y reflexionar sobre la verosimilitud interna de todo, provocando la ruptura de la mágica sensación de estar viendo una historia redonda. Aun así, hay que decir que sólo por la primera media hora de metraje, por la capacidad de sugestión y admiración que provoca en ese breve tiempo, la película merece verse. En una SALA DE CINE, por supuesto.

JACK REACHER SÍ VUELVE ATRÁS

No deja de ser curioso que se haya realizado una secuela de JACK REACHER (Christopher McQuarrie, 2012), una película que por recaudación no parecía que fuese a tener una continuación, si bien es una obra muy interesante que trataba de regresar a un tipo de cine policíaco que ya no se hace: más seco, de ritmo más templado y alejado de la estética virtuosa y manierista exhibida en otras sagas.

A pesar de las críticas que ha recibido JACK REACHER: NUNCA VUELVAS ATRÁS, en general no muy positivas, aquí están los motivos por los que SÍ hay que verla:

1) Es buen cine de ENTRETENIMIENTO, sin prejuicios.

2) COBIE SMULDERS saca brillo a su papel y forma buena pareja con Tom Cruise.

3) Edward Zwick ofrece una puesta en escena sin complicaciones, quedando en un discreto segundo plano, lo que acompaña el TONO DIRECTO Y REALISTA de la trama.

4) A pesar de estar por debajo de la original JACK REACHER, esta secuela también nos recuerda a un cine de acción y policíaco que se hacía hace décadas, donde predominaban la trama y los personajes, y que hoy parece haber quedado enterrado entre persecuciones, explosiones y set-pieces imposibles.

Solidez y clasicismo en SULLY

CLINT EASTWOOD nos ofrece una muestra de buen cine en SULLY. Rodada con estilo y un aroma clásico de lo más reconfortante, a lo largo de hora y media, a través de una estructura no lineal que funciona como verdadero atractivo de la película, se recrea el aterrizaje forzoso que tuvo lugar en el Hudson hace unos años y donde, de manera milagrosa, lograron sobrevivir sus 155 tripulantes. 

RESUMIENDO, aquí van los TRES PUNTOS FUERTES de la película:

1) El ARRANQUE. La secuencia de apertura, intercalada con los breves créditos de inicio, quita el hipo.

2) El uso del PUNTO DE VISTA. En varias ocasiones y, sobre todo, en el tramo final, funciona potenciando la culminación de la historia.

3) EASTWOOD. Logra una película irreprochable, corta (una maravilla esos 90 minutos) y con un cast perfecto.

Si acaso, sobran algunos momentos obvios que buscan una forzada emotividad, pero son pequeños detalles en una muy buena película.

SUPERSONIC es... SUPERSONIC

Durante la proyección de SUPERSONIC (Mat Whitecross, 2016) tenemos ocasión de contemplar el vertiginoso trayecto de OASIS desde que empieza como un grupo absolutamente desconocido hasta que en el verano del 96, tras dos exitosos álbumes, ofrece los míticos conciertos de KNEBWORTH ante un cuarto de millón de personas. 

Y el VIAJE de esos años que describe el documental, donde se palpa la rivalidad y surgen enfrentamientos entre LIAM GALLAGHER (vocalista) y NOEL GALLAGHER (compositor y guitarrista), son divertidos, caóticos y emotivos. 

Imágenes inéditas de archivo, acertadas animaciones y el audio de nuevas entrevistas acompañan las dos maravillosas horas que dura. ¿MOMENTOS ÁLGIDOS? Hay más, por supuesto, pero nos quedamos con estos cuatro:

1) El ARRANQUE. ¿En una palabra? ESPECTACULAR. Empezamos por el final y contemplamos imágenes de KNEBWORTH, para rápidamente pasar a qué sucedía TRES AÑOS ANTES… y contemplar a un grupo que ensaya en un local decorado con carteles de los BEATLES.

2) La firma con ALAN McGEE, clave en el origen de OASIS: un cúmulo de casualidades que acaba de la mejor manera posible.

3) El PRIMER VIAJE A LOS ÁNGELES: desenfreno y descontrol que casi provocan la ruptura del grupo.

4) El DESENLACE. Pocas veces se puede alcanzar un final tan emotivo y perfecto para cerrar un documental.

FINALMENTE, decir que, si tienen ocasión, disfruten de SUPERSONIC en PANTALLA GRANDE. Lo agradecerán.

"LA CHICA DEL TREN" DESCARRILA

Se SUPONÍA que este iba a ser un thriller absorbente, trepidante, cargado de sorpresas e hipnótico para el espectador. Va a ser que no. Aquí los SIETE MOTIVOS por los que LA CHICA DEL TREN descarrila a la hora de ofrecer una muestra de buen cine:

1) ABURRE. Y mucho.

2) Abusa de la voz en OFF. Todo suena pretencioso, fallidamente poético, hueco.

3) Los continuos saltos temporales no hacen sino favorecer la sensación de artificio, algo que no ayuda a la verosimilitud de la historia.

4) Algún fallo de casting hace difícilmente soportable el último acto.

5) Es CAPRICHOSA a la hora de seleccionar muy convenientemente los huecos en blanco de la memoria de la protagonista.

6) Es PEREZOSA. En lugar de crear escenas visuales, tiende a resolver todo mediante efectos de montaje y la ya mencionada (y fatídica) voz en off.

7) AQUÍ analizamos CINE. Puede que la novela sea fantástica. O no. La película, en cualquier caso, es bastante prescindible, predecible y pretenciosa.

Si hay que rescatar algo, sería el magnífico trabajo de EMILY BLUNT, bien acompañada por REBECCA FERGUSON y HALEY BENNETT.

Hibridación de géneros en ELLE

“ELLE” es una película tan extraña como atractiva. En la publicidad se señala que es un THRILLER, pero, ¿LO ES? En realidad, la nueva obra de PAUL VERHOEVEN es también COMEDIA y DRAMA, y esa mezcla de géneros es, quizá, la que puede dejar descolocado al ESPECTADOR. 

Sin embargo hay que decir que, en cierto modo, funciona: el tono HÍBRIDO desconcierta, al igual que las sorpresas que se van sucediendo, pero generan interés. Buena culpa de ello la tiene ISABELLE HUPPERT, magnífica, en un rol que, por momentos, nos recuerda a ese otro tan perturbador que hizo para “La pianista” de MICHAEL HANEKE.

Aquí recuperamos el buen pulso y hacer de PAUL VERHOEVEN, que probó las mieles del éxito ("Robocop", "Desafío total", "Instinto básico") pero también del fracaso ("Showgirls") en el implacable HOLLYWOOD. En "ELLE" se enfrenta a un proyecto muy diferente, europeo, que se arriesga y tiene éxito a la hora de ofrecer un plato variado al espectador, aunque uno sospecha que, quizá, centrándose en alguno de los géneros que toca, hubiera salido una película más redonda.

7 motivos para ver LOS 7 MAGNÍFICOS

Vayamos al grano, así que aquí exponemos SIETE MOTIVOS por los que sí hay que ver en PANTALLA GRANDE la nueva película de Antoine Fuqua:

1) Es un WESTERN. ¡Un western en pantalla grande en 2016! Este motivo ya valdría para pasar por taquilla.

2) Ha pasado más de MEDIO SIGLO desde el western de John Sturges, así que ¿por qué no intentar una nueva aproximación a la historia que Akira Kurosawa ya contó en “Los siete samuráis”?

3) El arranque es muy bueno. Todos recordamos al grandioso Eli Wallach, el villano de la película de Sturges, pero el prólogo de la versión de Fuqua es excelente, y PETER SARSGAARD toma el relevo de manera más que digna.

4) Es la banda sonora póstuma del gran JAMES HORNER. Y, por momentos, con algunos temas, muy buena, especialmente en el mencionado prólogo y en los momentos de tensión.

5) Entre los guionistas, NIC PIZZOLATTO (responsable de esa obra maestra llamada TRUE DETECTIVE 1), con valiosos e interesantes detalles en la construcción de algunos personajes y algunos momentos del tramo final.

6) Los CRÉDITOS del final, un auténtico regalo para los admiradores de los magníficos de John Sturges.

7) El REPARTO. Denzel Washington se come la película, disfruta y está cómodo en su rol de Chisolm, repartiendo plomo a diestro y siniestro; Chris Pratt es Faraday, el nuevo granuja simpático al que la cámara (y el espectador) quiere; Ethan Hawke es Goodnight, da verosimilitud a su tirador y crea cierta química con el personaje de Washington (recordemos el dúo inolvidable que ambos formaban en “Training Day”); Byung-hun Lee interpreta al experto en cuchillo Billy Rocks y tiene alguna de las mejores escenas; Manuel García Rulfo es un convincente proscrito experto en el manejo del revólver; Martin Sensmeier es Red Harvest, silencioso pero eficaz personaje; y, finalmente, el gran Vincent D’Onofrio da humor y excentricidad a su Jack Horne.

Por otro lado, creo que más de uno firmaríamos un remake de “Los siete magníficos” cada cierto tiempo; la película de Kurosawa era extraordinaria y el western de Sturges magnífico (Yul Brynner y Steve McQueen insuperables); esta nueva aproximación a la historia original por parte de Faqua quizá no lo sea tanto, pero no deja de ser un divertimento bien realizado y con algún hallazgo interesante. Siempre será mejor que un remake/reboot/secuela de “Spiderman” cada poco.